ARRIBA EL TELÓN. Pincha aquí: "Instrucciones artículos 3er. Trimestre", intenta hacerlo cuanto antes. Tienes hasta el 11 de mayo para escribir la poesía y hasta el 1 de junio para poner el vídeo. ¡Suerte artista!
El jueves 16 de Enero haremos en clase la recuperación de la primera evaluación. El examen será de los 4 primeros temas. Os he facilitado resúmenes para que reorganicéis las ideas; aún así hay que estudiar bien el libro y saber en qué época se sitúa una música, qué características tiene, cómo estaban considerados los músicos, qué función tenía la música, qué instrumentos sonaban, cómo y dónde se agrupaban, qué tipo de composiciones se realizaban y qué obras y compositores destacan.
Habrá fotos de las imágenes del blog.
Habrá 2 audiciones que haremos en el recreo. Estas audiciones para analizar serán las que os toquen de estas posibles:
EDAD MEDIA 1. Organum Melismático "SEDERUNT PRINCIPES" de perotin el Grande. 3. Canon "LAUDEMUS VIRGINEM" del Libre Vermell de Montserrat
RENACIMIENTO 6. Kyrie "MISA BREVIS" de Palestrina 13. Madrigal inglés "NOW IS THE MONTH OF MAYING" de Tomas Morley
BARROCO 22. Fuga nº16 de BACH 23. Concierto de brandemburgo nº4 de BACH
CLASICISMO (CD 2) 1. Sonata para piano de MOZART (Tema con variaciones) 2. Sinfonía nº100 de HAYDN
Si tenéis dudas preguntadme. ¡¡ Suerte !! Estudiad descansad y divertíos, hay tiempo para todo. FELIZ NAVIDAD.
El movimiento tanto artístico, cultural, como arquitectónico conocido como el Barroco es el periodo historico que comprende, aproximadadmente, desde el final del renacimiento(año 1600) hasta la mitad del siglo xviii. Ambas fechas coinciden mas o menos con el nacimiento de la opera y la muerte de Johann Sebastian Bach.
A pesar de las diferentes interpretaciones que se han producido en diferentes países y regiones, determinado por el estilo de diferentes políticas, religiosas y culturales, se puede decir que el barroco en la historia del arte tenía algunas características comunes que son descritas a continuación.
-La tendencia hacia la representación realista.
-La demanda de movimiento y el infinito.
-El intento de integrar diferentes disciplinas artísticas.
-El lado emocional sobre lo racional: su objetivo es impresionar a los sentidos del observador, con base en el principio de que la fe debe lograrse a través de los sentidos y la emoción más que por el razonamiento.
-La búsqueda de efectos visuales y decorativos, a través de curvas, contracurvas, columnas salomónicas.
-Violentos contrastes de luz y sombra denominados como técnica del claroscuro.
-Efectos de pintura ilusionista que a veces nos da la impresión de ver el cielo, sólo la apariencia de profundidad alcanzada.
-Amplitud, retorciéndose y la riqueza exagerada ornamental, la ausencia de huecos y el gusto por el teatro y drama.
La musica en el barroco
Las principales características comunes de la música de la época barroca son:
-La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, estas no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de monodía acompañada.
-La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos graves (violonchelo, viola da gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, órgano positivo, laúd, arpa...).
-El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).
-El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico.
-El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
-La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas.
-El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres habitual en el Renacimiento.
-El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación.
Los compositores mas importantes de esta epoca son Johann Sebastián Bach, Georg Philipp Telemann, Georg Friedrich Haendel, Antonio Vivaldi, Giovanni Battista Pergolesi, Domenico Scarlattiy el Padre Soler.
Paralerismo entre la musica del barroco y el arte barroco
Las coincidencias entre el barroco musical y el de las demas artes se resume en los siguientes puntos:
1.La luz y el color: El pintor barroco aprendio el valor del color, no solo como materia, sino tambien como forma de expresion, como intensidad cromatica. De la misma forma, el musico aprendio a utilizar los diferentes grupos timbricos,lo cual dio como resultado el multicolorismo en la expresion.
2.La profundidad: En el barroco, toda la arquitectura estaba jerarquizada; ejemplo de ello es el palacio de Versalles. Lo mismo sucedia en la musica: las lineas melodicas de la polifonia renacentista se yuxtaponian y caminaban a un mismo nivel jerarquico;en el barroco, unas voces se subordinan a otras, con la supremacia de una de ellas, sobre un fondo armonico de acompañamiento. Es lo que se conoce como melodia acompañada.
3.La dinamica: A la concepcion estatica del renacimiento se opone la dinamica de las masas arquitectonicas del barroco, con sus multiples entrantes y salientes. En la musica podria hablarse tambien de una dinamica interior que persigue la expresion de sentimientos y emociones, con claroscuros de sonoridades fuertes y pianos, en contraste con las estaticas lineas polifonicas del renacimiento.
Como ejemplo de este paralerismo pondremos una composicion de Johann Sebastian Bach y el palacio de Nymphenburg en alemania
Johann Sebastian Bach
Johann Sebastian Bach es un organista y compositor alemán del periodo barroco. Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa por su gran técnica y capacidad de improvisar música al teclado.[1] Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba. Su obra es considerada como la cumbre de la música barroca; destaca en ella su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, además de la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Wolfgang Amadeus Mozart pasando por Arnold Schönberg, hasta nuestros días. Sus obras más importantes están entre las más destacadas de la música clásica europea y de la música universal. Entre ellas se encuentran los Conciertos de Brandeburgo, El clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según san Mateo, El arte de la fuga, Ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, varios ciclos de cantatas, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites para orquesta.
La musca de Bach inspira grandeza, profundidad y la dinamica interior al expresar un ir y venir de contrarios, cualidades que tambien podemos observar en el palacio de Nymphenburg.
En el podemos observar la profundidad en la jerarquizacion del palacio con los jardines ademas de la grandeza que presenta tanto en el exterior como en el interior del palacio, la dinamica la presenta en el interior con sus multiples entrantes y salientes.
En los años finales del siglo XVII y primer cuarto del siglo
XVIII el Barroco español alcanza sus mayores atrevimientos y su máxima fuerza
expresiva en arquitectura. Es un momento en el que convivirán las influencias
francesas e italianas de un Barroco más clasicista o incluso de otro más decorativo
o Rococó, junto con una tradición muy hispana que también ha evolucionado hacia
una vorágine ornamental. Todavía en el momento que tratamos triunfa esta última
corriente, de los que sus máximos representantes son la familia Churriguera.
En 1699 dejó Salamanca para dirigirse a Madrid. Pese a los
momentos convulsos que vive el país (Guerra de Sucesión a la Corona) es sintomático
que Churriguera tenga numerosos
encargos. Su fama le precede y realiza retablos para iglesias parroquiales de
municipios vecinos donde se consolida el modelo de retablo
ideado en Salamanca.
En esta obra, intenta sorprender al espectador por su grandiosidad.
Música Barroca.
Marc-Antoine Charpentier fue un compositor del Barroco francés. Fue un compositor prolífico y
versátil, produciendo música de la más alta calidad en distintos géneros
Las dos obras artísticas tienen en relación la religiosidad, la
grandiosidad, el culto a la otra vida y son de género religioso.
El barroco es una etapa comprendida entre finales del XVI hasta mediados del XVIII (muerte de Bach). Es una época de contrastes donde los monarcas pretenden reflejar su lujo y grandiosidad a través de la música. Sus intérpretes eran compositores y músicos profesionales, algunos al servicio del monarca. En este aspecto hay que destacar a uno de los grandes músicos del Barroco: VIVALDI (1678 - 1741)
Compositor y músico del Barroco tardío, su maestría se refleja sobre todo en el género del “concierto” el más importante de su época. Compuso cantatas, sonatas, óperas, conciertos… y además fueron muy famosas en su época.
Los conciertos de Vivaldi se convirtieron en modelo de su género en toda Europa e influyeron en el estilo de sus contemporáneos, incluso en los de más edad. Autor de obras impactantes como: - Il Concerto Grosso - Las cuatro Estaciones (Four seasons) - Concierto para mandolina - Nulla in Mundo Pax Sincera - Gloria en Re mayor Pero no solo es importante destacar la música barroca, sino también el arte, ya que en el siglo XVII, la música era uno de los motivos más populares de la pintura holandesa y uno de los pasatiempos habituales de las clases más acaudaladas del norte de los Países Bajos. En el aspecto artístico, las obras en holanda se caracterizan por el intimismo y el detallismo, además alcanza una gran importancia el retrato, que puede ser individual o colectivo. Una de las figuras más importantes de este arte holandés:
VERMEER (1632 - 1675)
Jan Vermeer es el mejor representante de los pintores intimistas del Barroco de Holanda. Vermeer centra sus escenas en habitaciones y ambientes íntimos. Predominan las representaciones femeninas realizando algún trabajo frente a una ventana luminosa, consiguiendo un excelente dominio de la luz, además sus obras, realizadas probablemente por el puro placer de pintar, representan escenas de la vida cotidiana.
Las obras más importantes de Vermeer son La tasadora de perlas,La encajera, La lechera, La lección de música., El pintor y la modelo.
El periodo barroco abarca desde princípios del siglo XVII hasta mitad del siglo XVIII, coincidiendo con la muerte del compositor Sebastian Bach. Se considera la evolución del arte renacentista, las obras son recargadas con adornos, contrastes de color y una arquitectura que seguía un orden jerárquico.
Dentro de este estilo que abarca una gran cantidad de aspectos vamos a referirnos a la música barroca, que tiene una serie de características fundamentales:
La música está acompañada de un bajo continuo que acompaña a la melodía principal, era realizado normalmente por un teclado (Clave) u otros instrumentos de notación grave.
Aparecen diferentes formas vocales e instrumentales: Oratorio, cantata y ópera en cuanto a las formas vocales, y el concierto, sonata, fuga y suite dentro de la formas instrumentales.
Se deja un amplio espacio a la improvisación.
Posee un ritmo muy marcado.
Las voces tienen una importancia diferente, una voz principal se sobrepone sobre el resto, que realizan el acompañamiento o armonía.
Se cambia frecuentemente de acordes.
El ritmo marcado por el bajo es claro y sencillo.
Se da un "Estilo concertante", en el que los coros se contrastan con los grupos instrumentales, y los solistas con la orquesta.
Una vez ya expuestos esta serie de características musicales voy a hablar sobre uno de los compositores más influyentes de éste periodo; Johann Sebastian Bach. Johann Sebastian Bach fue un compositor alemán con una gran reputación como organista y clavecinista del periodo barroco, compuso obras para la mayoría de instrumentos de la época, compuso más de 400 obras para teclado y nunca se dejó influir por las opiniones del público. Sus obras eran de una estructura y composición muy complejas para los oyentes de este periodo. Los cantantes se quejaban de la dificultad de su música de iglesia, sobre todo en la composición de sus coros llenos de esplendor y solemnidad. Su manera de unir unas con otras las distintas voces del órgano, o sea, su manera de usar los registros, era tan fuera de lo común que muchos organistas y constructores de órganos se asustaban cuando lo veían emplear los registros. Vamos a escuchar uno de sus conciertos para Clave y vamos a realizar una comparación con otra obra de este periodo: "Las Meninas" deDiego Velázquez, pintura también de este periodo.
Ahora vamos a contemplar la siguiente pintura:
La música de Bach inspiraba armonía, lujuria, grandeza y profundidad. Cosa que también podemos observar en esta pintura, en la que observamos a la infanta doña Margarita rodeada de las dos infantas dentro de un gran palacio que exalta lujuria y grandeza. En la pintura se puede observar que se juega con la profundidad, podemos ver como hay personajes que se sitúan detrás unos de otros, formando una profundidad en el cuadro, al igual que en la música de Bach, donde unas voces se sobreponen unas encima de otras, formando también una profundidad musical.
El Barroco fue un período cultural que se desarrolló a comienzos del siglo XVII en Roma, Italia. Generalmente, se le sitúa entre el Renacimiento y el Neoclásico. Ha sido considerado por muchos autores como el arte de la contrarreforma o del absolutismo europeo, pero también se afirma que es un conjunto de tendencias desarrolladas en la época, sin estar necesariamente vinculadas a ningún gobierno o religión. A pesar de haber sido, en algún momento, un término peyorativo, el estilo Barroco hoy se admira por haber producido grandes obras en pintura, escultura, arquitectura, música y literatura.
El término Barroco fue creado por críticos posteriores a la época. Proviene del portugués barroco, que significa “perla de forma irregular” o “joya falsa”. Por mucho tiempo, el término se usó de manera negativa, para criticar el arte de la época como sobrecargado, irracional y con demasiados adornos y énfasis. En 1888, Heinrich Wölfflin usó nuevamente el término para diferenciar el Barroco del Renacimiento, como estilos opuestos. Recién en el siglo XIX, el Barroco fue revalorizado por Jacob Burckhardt, Benedetto Croce y Eugenio D’Ors.
El Barroco surgió alrededor del año 1600, como un resultado del deseo de un nuevo arte en la época. Habitualmente, se piensa que el Barroco fue una inspiración del canon promulgado en el Concilio de Trento, en el que la Iglesia Católica, se dirigió al arte figurativo, exigiendo que las pinturas y esculturas de las iglesias hablaran a los analfabetos en lugar de los instruidos, y animó a terminar con las costumbres pagas de los artistas evitando los desnudos y los escándalos que se veían tanto en la época renacentista. Sin embargo, el Barroco surgió una generación después en el siglo XVII. Esa época se caracterizó por el gran equilibrio que existía entre la ciencia y la razón, y entre la metafísica y la religión. Hubo cambios políticos y económicos, descubrimientos y expansión geográfica, todo mientras la humanidad se preocupaba por las experiencias religiosas.
Dentro del estilo barroco, cabe destacar la música, la cual tuvo una gran importancia en este periodo:
La música barrocaes el estilo musical europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach. Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del renacimiento y seguido por la música del Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso del bajo continuo, la barroca fue la época en la que se crearon formas musicales como la sonata, el concierto y la ópera. Entre los músicos del Barroco destacan Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe Rameau
Las principales características comunes de la música de la época barroca son:
La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, estas no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de monodía acompañada.
La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos graves (violonchelo, viola da gamba,fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, órgano positivo, laúd, arpa...).
El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).
El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico.
El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas.
El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres habitual en el Renacimiento.
El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación.
Dentro de la música barroca destacaron muchos compositores, entre ellos Claudio Giovanni Antonio Monteverdi, vamos a hablar de él...
Claudio Giovanni Antonio Monteverdi
fue un compositor, gambista y cantante italiano. Marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. Es la figura más importante en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco.
Inició sus estudios de música con Marco Antonio Ingegnieri, maestro de capilla de la Catedral de Cremona, y a los 15 años publicó sus primeras obras. Entre 1587 y 1638 publicó ocho colecciones de madrigales, en los que muestra su dominio de la técnica madrigalista. Combina las escrituras homofónica y contrapuntística, donde utiliza libremente armonías y disonancias. En 1599 se casó con Claudia de Cataneis, que murió en 1607 y en ese mismo año se estrenóOrfeo, favola in musica, su primer drama musical, considerado la primera ópera de la historia, como la entendemos hoy día. Su siguiente ópera Arianna (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso "Lamento", consolidó su fama.
En 1613 fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, ciudad en la que compuso la mayoría de su obra sacra. Para inaugurar el primer teatro de esta ciudad, compuso más óperas. En su música religiosa utilizó gran variedad de estilos, que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales de sus Vísperas de la beata Virgen, también de 1610, tal vez su obra hoy más famosa. La obra Selva morale e spirituale, publicada en 1640, es un enorme compendio de música sacra. En 1637 compuso una nueva serie de óperas, de las cuales sólo conocemos Il ritorno d'Ulisse in patria (1641) y L'incoronazione di Poppea (1642).
EL ARTE BARROCO
Dejando a un lado la música nos encontramos con el arte, destacado también por la grandiosidad, exageración...
El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo de índole social, político y religioso.
El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación
Laarquitectura barrocaasumió unas formas más dinámicas, con una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes. Cobró relevancia la modulación del espacio, con preferencia por las curvas cóncavas y convexas, poniendo especial atención en los juegos ópticos (trompe-l'œil) y el punto de vista del espectador. También cobró una gran importancia el urbanismo, debido a los monumentales programas desarrollados por reyes y papas, con un concepto integrador de la arquitectura y el paisaje que buscaba la recreación de un continuum espacial, de la expansión de las formas hacia el infinito, como expresión de unos elevados ideales, sean políticos o religiosos
La escultura barroca adquirió el mismo carácter dinámico, sinuoso, expresivo, ornamental, que la arquitectura —con la que llegará a una perfecta simbiosis sobre todo en edificios religiosos—, destacando el movimiento y la expresión, partiendo de una base naturalista pero deformada a capricho del artista. La evolución de la escultura no fue uniforme en todos los países, ya que en ámbitos como España y Alemania, donde el arte gótico había tenido mucho asentamiento —especialmente en la imaginería religiosa—, aún pervivivían ciertas formas estilísticas de la tradición local, mientras que en países donde el Renacimiento había supuesto la implantación de las formas clásicas (Italia y Francia) la perduración de estas es más acentuada. Por temática, junto a la religiosa tuvo bastante importancia la mitológica, sobre todo en palacios, fuentes y jardines.
La pintura barroca tuvo un marcado acento diferenciador geográfico, ya que su desarrollo se produjo por países, en diversas escuelas nacionales cada una con un sello distintivo. Sin embargo, se percibe una influencia común proveniente nuevamente de Italia, donde surgieron dos tendencias contrapuestas: el naturalismo (también llamado caravagismo), basado en la imitación de la realidad natural, con cierto gusto por el claroscuro —el llamado tenebrismo—; y el clasicismo, que es igualmente realista pero con un concepto de la realidad más intelectual e idealizado. Posteriormente, en el llamado «pleno barroco» (segunda mitad del siglo XVII), la pintura evolucionó a un estilo más decorativo, con predominio de la pintura mural y cierta predilección por los efectos ópticos (trompe-l'oeil) y las escenografías lujosas y exuberantes.
Fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir las artes visuales (el «estilo barroco») y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque también se dio en Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII. Es una época caracterizada por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo.
Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del siglo XVII en Italia —período también conocido en este país como Seicento—, desde donde se extendió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término «barroco» tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, engañoso, caprichoso. Algunos historiadores dividen el Barroco en tres períodos: «primitivo» (1580-1630), «maduro» o «pleno» (1630-1680) y «tardío» (1680-1750).
El arte se volvió más refinado y ornamentado, adoptando formas más dinámicas y efectistas y un gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Se observa una preponderancia de la representación realista: en una época de penuria económica, el hombre se enfrenta de forma más cruda a la realidad. Por otro lado, a menudo esta cruda realidad se somete a la mentalidad de una época turbada y desengañada, lo que se manifiesta en una cierta distorsión de las formas, en efectos forzados y violentos, fuertes contrastes de luces y sombras y cierta tendencia al desequilibrio y la exageración.
En la música, tenía las siguientes características:
La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se sigue escribiendo música a cuatro y cinco voces, estas no son ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de monodía acompañada.
La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo continuo era interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos graves (violonchelo, viola da gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, órgano positivo, laúd, arpa...).
El desarrollo de la armonía tonal, en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).
El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico.
El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del vocal, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento (escritura idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos decuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
La aparición de nuevas formas vocales e instrumentales: la ópera, el oratorio y la cantata entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas.
El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la policoralidad y el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad de texturas y timbres habitual en el Renacimiento.
El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación.
Haendel
Fue un compositor de concerto grosso, ópera y oratorios.
Halle, Alemania, 23 de febrero de 1685 – Londres, 14 de abril de 1759) fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado britanico, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.
Es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el oratorio.
Entre sus numerosas óperas y oratorios, cabe mencionar:
Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical
El barroco es una época de gran esplendor, SIGLOS XVII y primera mitad del XVIII, en el que los artistas estaban a cargo de un mecenas: noble o persona con un gran poder adquisitivo que le pagaba al artista para que realizase las obras que el noble quería.
En el apartado musical, el barroco buscaba expresar sus sentimientos u opiniones en el que producía una reacción de interés en el oyente. En el barroco surgió el bajo continuo en el que una melodía , el (superiore), le seguía una melodía acompañada. Los instrumentos que más destacaban en esta época eran los de cuerda, pero el instrumento que mas éxito tenía era el clave.
-Cuadro Barroco:
De esta imagen podemos deducir que expresa la grandeza que tenía la nobleza en esta época.Se puede ver que todo esta lleno de lujo,alegría,poder,etc. -Música barroca.
Como podemos ver, el título de esta canción se llama "El verano". En el barroco las obras solían representar los distintos estados de ánimo, las pasiones y los sentimientos del ser humano. Se le conocía con el nombre de "Doctrina de los afectos". En esta obra, Vivaldi intenta plasmar mediante los instrumentos los distintos sonidos de la naturaleza y sonidos que se oyen en esta estación del año.
-Compositor de esta época:
Vivaldi fue un compositor del barroco procedente de Italia. Destacó por sus conciertos para solista.
En relación de la imagen con la composición musical que he elegido, las dos intentan transmitir lo mismo: grandeza, poder, lujuria, alegría .Ya que en esta época la nobleza seguía teniendo el poder y eran los únicos privilegiados que podían ir a ver obras musicales,teatrales,etc.
El Barroco es
una época de contrastes en la que se busca ante todo la originalidad, quecomienza en el S XVIy que terminacon la muerte de Bach,en el año 1750. la música se utiliza
el bajo continuo que constituye un acompañamiento medio improvisado sobre una
melodía que destaca en primer plano. La jerarquía de texturas, llamada estilo
concertante, da esa característica propia del barroco de grandeza, poderío,
seguridad... Además, la música estaba abierta a cambios y adaptaciones, lo que
la dotaba de gran dinamismo.En el barroco aparecen nuevas
formas de composición como son la Sonata, el Concerto Grosso, la Fuga, la
Suite o la Ópera. En la música vocal, los cantantes tenían también algunas
partes de improvisación, pero ambas dos tenían casi la misma importancia (en
esta época la parte instrumental toma poder,así como la época en general,
siendo mas pareja a la música vocal) a diferencia de otras épocas; Improvisación,
fuerza, poderío y contraste no se correspondían a la música solamente si no que
tocaba todos los ámbitos artísticos así como arquitectura, pintura,
esculturas...
En esta época cabe destacar, casi como lo mas importante, la aparición del violín como tal(como el de hoy en día)
Los grandes músicos que caracterizan a esta época/periodo
son: Johann Sebastián Bach, Georg Philipp Telemann, Georg
Friedrich Haendel, Antonio Vivaldi, Giovanni Battista Pergolesi,
Domenico Scarlatti, Padre Soler,
Ahora para demostrar como todo el arte estaba relacionado
compararemos la música de uno de estos grandes artistas con cuadros,
esculturas, edificios...
La música elegida para esta
comparación es la música de Antonio Vivaldi.
Antonio Vivaldi.
Este compositor y musico italiano (Venecia) pertenece
al periodo del barroco y sentó los cimientos del concierto. Su gran legado
musicall a se compone de 270 conciertos, 48 operas, 44 cantatas, 12 motetes, 49
obras de música sacra y 3 oratorios.
Vivaldi es considerado como uno de los
precursores de la música romántica junto a la música programática.Este genio es sobre todo reconocido por su obra
las cuatro estaciones, estableciéndose la diferencia musical y
diferentes contrastes de sonido que tiene cada estación del año.En cada una de
los cuatro conciertos podemos apreciar los sonidos más característicos de esa
época del año de forma que, al escucharlo, se sabe si está retratando
,musicalmente el invierno, el verano, el otoño o la primavera.
Aquí, os dejo los videos para que os deleiteis:
Otoño:
Invierno:
Primavera:
Verano:
Ahora veamos la arquitectura:
Palacio Real (Madrid):
Relaccionando conceptos podemos observar facilmente como tanto las obras de Vivaldi y el Palacio Real, intentan transmitir una grandeza, poder, lujo y pureza.
Holanda va a escribir en el barroco una de las páginas más brillantes del arte de la edad moderna. País y sociedad originales, su pintura, como reflejo, va a estar dotada de una fascinación especial.
En primer lugar, la personalidad de Holanda está en gran parte definida por el mar; por su condición de tierras bajas el mar ha sido siempre amenaza, pero también un elemento con el que se lucha y al que se domina. Tierra llana, en la que sin obstáculos del relieve puede contemplarse un cielo de nubes, pocas veces sereno, con agua por todas partes, en sus canales, sus mares interiores, sus innumerables lagunas, los reflejos y la amplitud de los horizontes sensibilizan la pupila de sus pintores, mientras la intensidad de los brillos, en el cielo y las aguas, va a transmutarse poéticamente en luz en los cuadros.
Dominadores del color, que aplican en pinceladas sueltas, poetas de lo pequeño, filósofos del hombre normal... La atmósfera de los interiores no da la impresión de indiferencia sino de una presencia tenue, de una comunión del hombre con el recinto en el que vive.
En la actualidad, Johannes Vermeer (Delft, 1632 – Delft, 1675) ha pasado de la oscuridad al primer plano de la apretada multitud de genios de la pintura del siglo XVII holandés. Su único rival es nada menos que Rembrandt, y en estos momentos va por delante de él como artista de culto y gran atracción pública, foco de atención de estudiosos e intérpretes, inspirador de falsificaciones e invenciones, y obsesión de fanáticos amables y siniestros.
La mayor parte de los cuadros de Vermeer son escenas de interior,género desarrollado, a partir 1620, por los pintores de Ámsterdam y de Haarlem, como Willem Buytewech, Dirck Hals y Pieter Codde. Destinados a decorar las residencias de la burguesía holandesa, entonces en la cima de su poder gracias a su próspero comercio marítimo, sus cuadros representaban a menudo personajes ricamente vestidos, tocando un instrumento musical o bebiendo vino en estancias señoriales, decoradas con refinamiento. Gabriel Metsu, que, siguiendo el ejemplo de Vermeer, había comenzado como pintor de historia, decidió dedicarse preferentemente, como éste hacia 1655, a las escenas de interior. Pero el principal contemporáneo de Vermeer, al que se pudo calificar de renovador del cuadro de género, fue Gerard Ter Borch (1617-1681). Los dos se conocieron en Delft y sabemos que se apreciaban mutuamente. Bajo la influencia de Ter Borch, los artistas holandeses dejaron de pintar escenas de posada o de todo otro tema tenido por vulgar.
Aquí tenemos algunas de sus obras:
En “Dama tocando el virginal de pie” (National Gallery, Londres), cuadro de factura posterior, el virginal tiene un esquema decorativo mucho menos pintoresco: parece más unificado y, a la vez, más clásico y se adapta bastante mejor a la luz más brillante y menos velada y a contornos más perfilados que encontramos en él y en otros tardíos como, por ejemplo, en “La guitarrista” (Fonds Iveagh, Kenwood, Londres). El marmoleado decorativo, aunque no es mejor como imitación de la piedra auténtica que el falso mármol pintado sobre los instrumentos actualmente conservados, posee un audaz sabor abstracto y aparece generalizado en todas las superficies que solían llevar papeles pintados y lemas, a excepción del interior de la tapa que presenta, en cambio, un paisaje sencillo y desprovisto de personas, nada característico, desde luego, de las pinturas conservadas realizadas sobre virginales profusamente decorados.
Un sentimiento comparable de armonía impregna “La chica interrumpida en su música” (The Frick Collection, Nueva York) de los tempranos 1660, donde un atento caballero asiste a una mujer joven con su partitura. Un cuadro de Cupido en la pared trasera afirma que el contacto entre los dos es amoroso; la relación de esta imagen de Cupido como un emblema de Otto van Veen, que subraya la importancia de tomar un amante, establece la moral de la escena. De forma similar, la presencia del hombre que está paralizado por la música en “La lección de música” debe ser explicada de otra manera. La música era usada metafóricamente de forma frecuente para sugerir la armonía de dos almas enamoradas, una aliada del deseo erótico que anuncia un encuentro más íntimo. De hecho, en “La lección de música”, la mujer es vista directamente por detrás. Sus manos y música se ocultan al espectador; su cara, parcialmente girada hacia el caballero, aparece débilmente visible en el espejo colgado antes de ella. De este modo Vermeer enfatizaba menos los específicos de la mujer y su música que la los abstractos conceptos que su música encarna: juego, armonía enamorada, cicatrices y consuelo. Vermeer parece tener muy pensada la tradición pictórica con la que Oteen trabajaba por la transformación de alusiones del amor en algo más universal y menos moralizante.
El Barroco fue un período de la historia en la cultura
occidental originado por una nueva forma de concebir las artes visuales
(el «estilo barroco») y que, partiendo desde diferentes contextos
histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se manifestó principalmente en la Europa Occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país. Se suele situar entre el Marierismo y el Rococó, en una época caracterizada por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo.
LA MÚSICA EN EL BARROCO
La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con la época cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido por lamúsica del Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso del bajo continuo, la barroca fue la época en la que se crearon formas musicales como lasonata, el cncierto y la ópera. Entre los músicos del Barroco destacan Johann, Georg Fredrich Haendel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe, Rameau, Henry Purcell.
CARACTERÍSTICAS EN EL BARROCO
Las principales características comunes de la música de la época barroca son:
La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). Aunque se sigue escribiendo
música a cuatro y cinco voces, estas no son ya de similar importancia,
sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la
escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar o de melodía acompañada.
La presencia obligatoria del bajo continuo: junto a la línea melódica más grave (el bajo) se escriben unas cifras
que resumen la armonía de las voces superiores. El bajo continuo era
interpretado habitualmente por uno o varios instrumentos melódicos
graves (violonchelo, viola de gamba, fagot...) más un instrumento armónico que improvisaba los acordes (clave, órgano positivo, laúd, arpa...).
El desarrollo de la armonía tonal,en la que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales, armados desde el bajo continuo. El ritmo armónico es rápido (cambio frecuente de acorde).
El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo (sea binario o ternario), muy uniforme, incluso mecánico.
El desarrollo de un lenguaje instrumental propio diferenciado del
vocal, con adaptación de la escritura musical a cada tipo de instrumento
(escritura idiomática). En los teatros de ópera aparece la orquesta, con predominio de instrumentos de cuerda frotada, base de la actual orquesta sinfónica.
La aparición denuevas formas vocales e instrumentales:la ópera, el oratorio y la cantanta entre las primeras, y el concierto, la sonata y la suite entre las segundas
El gusto por los fuertes contrastes sonoros (entre coros, entre
familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado en la
policoralidad y el «estilo concertante», por oposición a la uniformidad
de texturas y timbres habitual en el Renacimiento.
El amplio espacio dejado a la improvisación, tanto en obras libres como en las ya escritas, en forma de ornamentación.
Johann Sebastian Bach:
Compositor alemán, probablemente junto con Mozart (1756-1791) es el caso más portentoso de genialidad, fecundidad y musicalidad de toda la historia de la música.
Nació en Eisenach y pertenece a una familia cuyos miembros parecen
haber sido investidos por la Naturaleza con el don especial de una
musicalidad fuera de lo común", setecientos años de genios creadores
casi ininterrumpidos la avalan, alcanzando en él la máxima expresión
creadora.
El paisaje que vio nacer al compositor estaba cargado
de reminiscencias legendarias e históricas. Cuando él nació no se habían
acallado los rumores de la guerra de los 30 años.
Dentro de
la familia, el tío Johann Christoph era considerado el compositor más
importante antes de la aparición de Johann Sebastián. Fue el primer Bach
que se estableció en Eisenach, donde ocupó el cargo de organista, que
conservó hasta su muerte. Johann Sebastián adquirió de su tío un gran
conocimiento del órgano, y ello explica que se le considerara uno de los
máximos entendidos de la época.
Empezó sus estudios con su padre Johann Ambrosius (1645-1695) a la muerte de éste, se fue a vivir con su hermano mayor con quien terminó los estudios Johann Christoph (1671-1721).
En Luneburg Bach entró a formar parte del coro mas escogido de le
escuela de San Miguel,
En vida se le estimó principalmente como organista y cantor; la actual
consideración que nos merece su obra creadora se debe principalmente a
la revalorización de que fue objeto por Mendelssohn, y de intérpretes de la talla del violonchelista y director catalán Pau Casals, la clavicenista Wända Landowska o el pianista Glend Gould entre otros.
Su obra asombra por su ingente volumen de producción más de 1200
obras de todos los géneros, muchas veces resultado del cargo que
desempeñaba o de encargos recibidos y por la maestría e imaginación que
denota en el manejo del contrapunto del que es maestro indiscutible.
La obra de Bach es la genial recopilación de todo el saber musical que
le precedió al que supo incorporar una cordial vibración expresiva que
la proyectó hacia el futuro, de ahí que con la tranquila enormidad de
su genio de opulencia extrema y efusiones íntimas desafía el análisis y
la razón.
Bach se mantuvo siempre apartado de los grandes
centros de influencia musical europeos, escribiendo aquello que su
corazón le dictaba, sin patrones ni arquetipos impuestos por modas o
corrientes estilistas de la época, no obstante él era conocedor de
primera mano de toda la evolución que se estaba gestando en toda Europa,
de ahí su admiración por Antonio Vivaldi (1675-1741) entre otros, pero sus obras acabarían convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de la música occidental moderna. La suma de las cantatas de Bach es seguramente una de las obras más impresionantes nacidas de manos humanas. Sus obras más importantes están entre las más destacadas de la música clásica Europea y de la música universal. Entre ellas se encuentran los Conciertos de Brandeburgo, El clave bien temperado , la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga,Ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, varios ciclos de cantatas, el Concierto Italiano, la Obertura francesa, las Suistes para violonchelo solo, las Sonatas y partitura para violín solo y las Suites para orquesta.
La pasión según San Mateo: Bach.
Pocas veces se han alcanzado cotas tan altas en el arte de todos los
tiempos, la Pasión según san Mateo es a la música lo que El Quijote a la
literatura. Lo que quiere decir que estamos ante una de las partituras
más profundas, geniales y hermosas de toda la historia de la música. Tal
es la grandeza, la elevación de la música contenida en La Pasión según
San Mateo, que su efecto en la sensibilidad del hombre contemporáneo,
dos siglos y medio largos después de su concepción, sigue siendo
abrumador. Sólo obras como la Misa en si Menor o la Gran Pasión pueden,
en su sobrenatural y atemporal inspiración, en su desgarradora y sincera
humildad y ello pese, o gracias, a los ambiciosos dispositivos vocales,
corales y orquestales de los que se sirve, apelar de un modo tan
intenso a los más recónditos resortes emocionales del ser humano. La
milagrosa música del coloso bachiano, con su serena y perturbadora
belleza, nos hace sentir mezquinos e insignificantes. El arte, cuando es
auténticamente grande, sobrepasa los límites de la razón y esto es lo
que ocurre con la Pasión según San Mateo.
Bach escribió la Pasión según San Mateo en un momento en el que su
experiencia y creatividad habían alcanzado la cima. Sus largos y
disciplinados años de estudio y trabajo le permitieron experimentar con
los más variados géneros musicales de su tiempo, y pusieron en sus manos
las herramientas necesarias para poder construir uno de los mayores
monumentos a la inspiración humana. Con la Gran Pasión , nuestro hombre
no sólo alcanza la cumbre de toda su producción religiosa inmersa en la
tradición luterana, sino que rozó la perfección como muy pocos artistas
lo habían hecho antes.
La pasión es un género que hunde sus
raíces en los dramas litúrgicos medievales conocidos como Autos
Sacramentales: representaciones dramatizadas que, mediante recitados y
música, trataban de aproximar al vulgo los pasajes más significativos de
la Biblia. Por su asombrosa evolución, resulta increíble que las
Pasiones de Telemann, Keiser, Graun o las del mismísimo Bach tengan su
origen en unas manifestaciones tan arcaicas.
Mientras fue cantor
de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, Johann Sebastian Bach dirigió
un total de 26 pasiones. Entre ellas, el padre de la música moderna
interpretó las dos de Telemann y las de Graun, Keiser o Andel.
Cubierta por capas y capas de polvo, la Pasión según San Mateo,
permaneció dormida hasta el 11 de Marzo de 1829, fecha en la que Félix
Mendelssohn la descubrió y recuperó para sus contemporáneos,
reestrenándola en una mítica interpretación en Berlín. El compositor
hamburgués fue el mayor defensor de la música de Bach, aunque practicó
un buen número de cortes a la partitura y modificó su orquestación para
hacerla más próxima al público romántico. Pese a que la Pasión según san
Mateo posee una unidad absolutamente inquebrantable y su escritura es
un ejemplo tan grandioso de ingenio especulativo, que toda suerte de
modificación o resumen no es sino un atentado contra la integridad e
ideario de una de las mayores obras maestras de la historia de la
música, hay que agradecer a Mendelssohn su imprescindible intervención a
favor de la resurrección del kantor.
Paralelismo musical y pictórico en el arte Barroco:
Como comprobaremos ahora, el arte Barroco se expresa de una forma parecida en la música o en la pintura, sus características son similares. En esencia, las características generales del
arte son:
Los temas: los pintores se centraron con gran interés a los temas relacionados a la naturaleza, sin dejar de lado a los temas religiosos. También, se preocuparon en recuperar el realismo adoptado por los manieristas. Se puede percibir la tensión y la energía y se pueden ver fuertes contrastes de luces y sombras que realzan a lo necesario y/o importante.
El dinamismo: Se trata de hacer creer a la audiencia que en
el cuadro hay un movimiento constante. Se promueve mucho más la línea
curva por sobre la recta.
Teatralidad: Se trata de conmover al
espectador con gestos sumamente dramáticos que expresen distintos tipos
de sentimientos.
Decorativismo y suntuosidad: Se aprecia muchísimos los
ornamentos y las decoraciones y se le da importancia no sólo a lo
esencial sino también a lo accidental, por lo que todos los elementos
significan algo.
Contraste: Tratan de ser lo más objetivos posibles,
mostrando las distintas opiniones o puntos de vista sobre un tema
preciso, aún si estas son opuestas. Los cuadros iniciales del barroco
fueron algunos tales como: “La conversión de San Pablo” cuadro de
Caravaggio, y “El rapto de las hijas de Leucipo” de Pedro Pablo Rubens.
Y, dentro de la temática religiosa, la pasión es un obligado motivo de inspiración pictórica como lo fue musical para Bach. Aquí dejo algunos ejemplos:
La pasión según San Mateo
La pasión de Cristo
Se puede observar en estas dos imágenes los contrastes de luces y sombras que realzan lo más importante. También, la teatralidad, una característica de la pintura barroca que trata de poner sentimiento al cuadro. Se pueden apreciar las pequeñas decoraciones, haciendo que resalten todos los elementos de estos dos cuadros sin centrarse en algo en concreto. Se centra en el realismo, con colores ricos e intensos. Pretende evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada en el Renacimiento. Los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo. Los dos cuadros se centran en la religión.
3º Mov. Sarabande 
