1834: "Casta diva" Norma de Bellini.

El autor de esta obra es Bellini, es un compositor siciliano. Bellini fue un niño prodigio y cuenta la leyenda que a los dieciocho meses era capaz de cantar un aria de Valentino Fioravanti , que comenzó a estudiar teoría musical a los dos años de edad, piano a los tres y que a los cinco era capaz de tocarlo con soltura. Su primera composición data de cuando tenía seis años. Intentó minimizar las diferencias clásicas entre las partes las arias y los recitativos,manteniendo la tensión dramática.

Norma de Bellini fue estrenada en la Scala de Milán el 26 de diciembre de 1831. En España se estrenó en el Teatro del Príncipe de Madrid en 1834. Se considera un ejemplo de la suprema altura de la tradición belcanista.

Casta diva fue una de las arias más conocidas en el siglo XIX. 

Norma explora las profundidades del drama romántico, su figura ocupa un lugar destacado entre los grandes personajes femeninos de la historia de la ópera. 

Esta basada en la obra Ou l'infanticide (tragedia en verso, 1831) de Soument y Belmontet. 

La idea de esta ópera surgió debido a este suceso,en Galias, hacia el año 50 a.C, una sacerdotisa druida sacrifica su honor, perdidamente enamorada de un cónsul romano. Esta compuesta solo por dos actos en italiano.

PRIMER ACTO.

El druida Orveso, anuncia a su pueblo que su hija, la sacerdotiza Norma, dará una señal cuando llegue el momento de levantarse en contra del invasor romano. Ella, desbordada de sentimientos patrióticos hacia su pueblo, desea también volver a ver la procónsul Pollione, su amante y secreto padre de sus hijos. Pero, Pollione ahora se ha enamorado de Adalgisa, la virgen del templo, una mujer mucho más joven. Pollione además ha tenido un sueño: Norma en venganza destruye a sus hijos y mata a Adalgisa.

Luego Adalgisa se encuentra con Norma. La joven confiesa estar enamorada de Pollione. Y justamente cuando lo esta mencionado, éste aparece. Norma le cuenta a Adalgisa cuanto la ha traicionado Pollione y cómo ha abandonado a sus hijos. Entonces, la virgen del templo, lo repudia.

SEGUNDO ACTO.

La opción para Norma es asesinar a sus hijos y alejarse o entregarlos a Adalgisa. Opta por lo segundo.

Adalgisa por su parte, quiere increpar a Pollione para que se haga cargo de sus compromisos y su deber como padre. Pero los druidas ya ha declarado su rebeldía. Pollione es apresado y Norma debería juzgarlo. Pero ella se ve tan culpable como el procónsul porque su amor hacia él, era una traición a su pueblo. Junto a su antiguo amante se encamina hacia la hoguera.

Es Monserrat Caballe,una cantante soprano española, la que protagoniza esta ópera en el teatro de la Zarzuela de Madrid en 1978. Es una de las más admiradas cantantes de ópera de la historia. Además ha tenido numerosos papeles en otras óperas famosas de la historia como La bohéme y La serva padrona.

El teatro de la Zarzuela de Madrid está situado actualmente en la calle Jovellanos. Fue inaugurado el 10 de octubre de 1856 (fecha del cumpleaños de la reina Isabel II) con el objetivo de interpretar las zarzuelas en Madrid.

Por Irene Gómez.

1607: "ORFEO" de Claudio Monteverdi

L'Orfeo de Claudio Monteverdi se estrenó al comienzo del carnaval de 1607, el 24 de febrero de ese año, en el palacio de Mantua, y produjo una fuerte impresión. Esta fecha se ha establecido como el nacimiento de la ópera.

Como ya sabemos Monteverdi Nació el 15 de mayo de 1576 en Cremona en una familia humilde y Con tan solo 15 años compuso su primera obra. Después compuso su Favola in música, que fue su primer drama musical y con ella estableció para siempre las pautas del nuevo género dramático y musical. Su siguiente ópera Arianna, cuya música se ha perdido, excepto el famoso 'Lamento de Ariadna', que consolidó su fama. También compuso muchas óperas, motetes, madrigales y misas. Falleció el 29 de noviembre de 1643 en Venecia.

Argumento de Orfeo:

El prólogo: transcurre en la corte del duque de Mantua. Allí anuncia la duquesa que contará a todos los presentes una fábula. Como tema elige la leyenda de Orfeo, el poeta mítico cuya música era capaz de conmover a los animales salvajes, a las piedras e incluso a los poderes del mundo subterráneo.

En el acto primero: Orfeo y Eurídice celebran sus bodas y las ninfas y pastores los rodean danzando con alegría. Antes de su unión definitiva los dos amantes deben separarse una vez más por un breve tiempo, a fin de pedir la bendición y el auxilio de los dioses.

En el acto segundo: Orfeo recorre Tracia cantando alegremente. Piensa en la época en que vivía triste allí, pues su amada Eurídice todavía no le había dicho que le correspondía. Aparece una mensajera y anuncia que Eurídice ha muerto mordida por una serpiente venenosa mientras recogía flores. Orfeo parte para rescatar del mundo subterráneo a su amada, sin la cual no habrá vida para él, o para quedarse junto a ella para siempre en el reino de las sombras. La Esperanza conduce a Orfeo por ese difícil camino.

En el acto tercero: Orfeo ha alcanzado las puertas del tenebroso reino. La Esperanza debe abandonarlo allí: así lo estipulan las leyes. Caronte se niega a transportar a Orfeo por el río de los muertos; sin embargo, no puede resistirse al canto de Orfeo y cae en un ligero sueño. Orfeo empuña los remos y se dirige hacia las regiones vedadas a los mortales.

En el acto cuarto: Orfeo se encuentra frente al soberano del mundo subterráneo. Proserpina, la esposa de Plutón, ruega que le conceda lo que pide el poeta. Plutón consiente en el regreso de ambos amantes a la superficie. Solamente pone una condición: Orfeo no debe mirar a Eurídice en ningún momento durante el regreso. Su firmeza debe sufrir difíciles pruebas; las Furias rodean a la pareja y amenazan a Eurídice. Desesperado, Orfeo se vuelve para mirarla, entonces la figura de Eurídice desaparece en la niebla, se pierde para siempre.

En el acto quinto: nos muestra al consternado Orfeo, que vive otra vez en Tracia, cuyo espíritu recuerda incansablemente a Eurídice, en medio de un salvaje dolor. Por último, Apolo se apiada de él y lo convierte en una estrella que brilla para siempre en el cielo. Conmovidos, los pastores alaban su amor fiel y su arte inolvidable.

La Música: Montserrat Figueras 

El Director: Jordi Savall- Director de orquesta y violagambista español. Es una de las principales figuras de la música antigua desde 1970 e intérprete de referencia de la viola da gamba. Su repertorio abarca desde la música medieval hasta más allá del Barroco francés. Se ha dedicado a la investigación del repertorio musical antiguo para divulgarlo con instrumentos originales de la época.

Está representada en: el Gran Teatre del Liceu, Barcelona- Es el teatro en activo más antiguo y prestigioso de Barcelona, especialmente como teatro de ópera, entre los que es considerado uno de los más importantes del mundo. Ha sido escenario, desde 1847, de las más prestigiosas obras, interpretadas por los mejores cantantes del mundo. Durante casi dos siglos, ha sido símbolo y lugar de encuentro del poder, la nobleza y burguesía catalanas, en los pisos inferiores, por un lado, mientas que los aficionados de las clases sociales menos adineradas compartían su pasión por la ópera en los pisos 4º y 5º, que hasta las últimas reformas tuvieron una entrada independiente por la calle San Pablo.

                                   

                         HECHO POR: IULIANA LOREDANA BADEA

La consagración de la primavera de STRAVINSKY

Compositor ruso nacionalizado francés y, posteriormente, estadounidense. Una de las fechas clave que señalan el nacimiento de la llamada música contemporánea es el 29 de mayo de 1913, día en que se estrenó el ballet de Stravinsky La consagración de la primavera. Su armonía politonal, sus ritmos abruptos y dislocados y su agresiva orquestación provocaron en el público uno de los mayores escándalos de la historia del arte de los sonidos.

Alumno de Nikolai Rimski-Korsakov en San Petersburgo, la oportunidad de darse a conocer se la brindó el empresario Sergei Diaghilev, quien le encargó una partitura para ser estrenada por su compañía, los Ballets Rusos, en su temporada parisiense. El resultado fue El pájaro de fuego, obra en la que se advierte una profunda influencia de su maestro en su concepción general, pese a lo cual apunta ya algunos de los rasgos que definirán el estilo posterior de Stravinsky, como su agudo sentido del ritmo y el color instrumental.

Con la Sinfonía en tres movimientos y la ópera La carrera del libertino concluye esta etapa, tras la cual Stravinsky volvió a sorprender al adoptar el método dodecafónico sistematizado por su colega y rival Arnold Schönberg, aunque eso sí, a la muerte de éste. De nuevo un ballet, Agon, señaló la apertura de este nuevo período, en el que sobresalen títulos como Canticum sacrum, Threni, Monumentum pro Gesualdo y Requiem Canticles, ninguno de los cuales ha obtenido el nivel de aceptación de las obras de las dos épocas precedentes. Fallecido en Estados Unidos, sus restos mortales fueron inhumados en Venecia.

 

 Un Americano en París-Gershwin

    

Gershwin 

Compositor estadounidense.En un país que,hasta el final de la Primera Guerra Mundial ,había dependido en el ámbito musical de modas,compositores e intérpretes llegados de Europa,George Gershwig fue el primero en hacer oír una voz inequívocamente autóctona,aunque capaz de conquistar el éxito fuera de las fronteras de su patria. Y lo hizo a través de unas obras en que se sintetizaban elementos procedentes del jazz y de la tradición clásica,y que le permitieron destacar por igual en campos tan dispares como el de la música sinfónica y la popular .

Hijo de una familia de inmigrantes rusos de origen judío,su talento para la música se manifestó a temprana edad,cuando,mediante un voluntarioso aprendizaje autodidáctico, aprendió a tocar el piano de oído. Ante su entusiasmo, su padre decidió hacerle estudiar en serio con un profesor, Charles Hambitzer,quien le descubrió el mundo sonoro de compositores como Listz,Chopin o Debussy. El deseo de triunfar como compositor en las salas de concierto no tomaría forma hasta años más tarde.

Abandonó en 1914 sus estudios para trabajar en unos almacenes de música donde, sentado al piano, presentaba al público las melodías de moda.Pronto empezó a componer sus propias canciones con las que alcanzó popularidad. Su inmediato éxito significó el comienzo de su carrera como compositor y se convirtió en un personaje aún más popular que sus admirados Kern y Berlin.  A partir de la década de 1920,inició la composición de otros trabajos destinados a las salas de concierto. El éxito no hizo olvidar a Gershwin sus numerosas lagunas técnicas,por lo que prosiguió sus estudios musicales con la intención de enriquecer su estilo y abordar metas más ambiciosas. En 1925 llegó la composición concertante : El Concierto para piano en fa , a la que sigió tres años más tarde la pieza sinfónica: Un americano en París. La culminación de su carrera como compositor llegó en 1935 en la ópera Porgy and Bess, convincente retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos. Sin embargo, no pudo disfratar mucho de sus éxitos,ya que un tumor cerebral truncó su vida,privando a la música estadounidense de uno de sus compositores más representativos y universales.

 Un americano en París 

El poema sinfónico Un americano en París describe las impresiones de un norteamericano en las bulliciosas calles parisinas, incluyendo los cláxones de sus coches, en claro tono optimista, salpicado de nostalgia por la tierra, acuñado en la melodía del blues, que se contrapone al charlestón de unas trompetas. Gershwin compuso la obra durante un viaje a Europa en 1928, visitando Francia y Austria. Este poema sinfónico, que obtuvo el reconocimiento inmediato de público y crítica, fue estrenado el 13 de diciembre de 1928  por la Orquesta Sinfónica de Nueva York, bajo la batuta de Walter Damrosch.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

MENDELSSOHN-EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

 

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MENDELSSOHN-EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

Felix Mendelssohn (Hamburgo, 3 de febrero de 1809 – Leipzig, 4 de noviembre de 1847), cuyo nombre completo era Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy, fue un compositor, director de orquesta y pianista de música romántica alemán.

Era nieto del filósofo Moses Mendelssohn y nació en el seno de una destacada familia judía, que más tarde se convirtió al protestantismo, adoptando el apellido Mendelssohn-Bartholdy. En su infancia fue considerado un prodigio musical, pero sus padres no trataron de sacar partido de sus habilidades. De hecho, su padre declinó la oportunidad de que Felix siguiera una carrera musical hasta que quedó claro que tenía la firme intención de dedicarse seriamente a ella.

EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO Con esta obra del Romanticismo alemán, en el primer tercio del siglo XIX, nace un nuevo género: la música programática para orquesta sinfónica, en la que se describe una escena o se narra una acción.
"El sueño de una noche de verano" es una obra musical escrita por el compositor Felix Mendelssohn, tomando como base la obra de teatro del mismo nombre escrita por el dramaturgo inglés William Shakespeare. Mendelssohn compuso esta obra en diferentes momentos de su vida. Entre el 8 de julio y el 6 de agosto de 1826, cuando su carrera estaba comenzando, compuso una obertura de concierto  y se estrenó en Szczecin el 20 de febrero de 1827. En 1842, unos pocos años antes de su muerte, escribió música incidental  para una producción de la obra de teatro, en la que incorporó la obertura existente. La música incidental incluye la famosa Marcha nupcial.
La obertura,fue terminada por Mendelssohn el 6 de agosto de 1826, cuando tenía 17 años y 6 meses de edad Fue escrita como una obertura de concierto, no asociada con ninguna representación teatral. La obertura fue escrita después de que el compositor leyera la traducción al alemán de la obra de Shakespeare en 1826.

"El Mar" de Debussy

Claude Debussy

Compositor francés cuyas innovaciones armónicas abrieron el camino de los radicales cambios musicales del siglo XX. Fue el fundador de la denominada escuela impresionista de la música. Nació en Saint-Germain-en-Laye el 22 de agosto de 1862 y se educó en el conservatorio de París, donde comenzó a estudiar a los diez años. En 1879 viajó a Florencia, Venecia, Viena y Moscú como músico privado de Nadejda von Meck, mecenas del compositor ruso Peter Ilich Tchaikovski. Durante su estancia en Rusia conoció la música de compositores como Tchaikovski, Aleksandr Borodín, Mili Balakirev y Modest Musorgski, así como el folclore ruso y gitano. Debussy ganó en 1884 el codiciado Grand Prix de Roma por su cantata El hijo pródigo. De acuerdo con los requisitos del premio, estudió en Roma donde se instaló en la Villa Médici durante dos años y presentó de modo regular, aunque sin demasiada fortuna, nuevas composiciones al comité del Grand Prix. Entre estas obras se encuentran la suite sinfónica Printemps y una cantata, La señorita elegida, basada en el poema The Blessed Damozel del escritor británico Dante Gabriel Rossetti.

Durante la década de 1880, las obras de Debussy se interpretaron con frecuencia, y a pesar de su por entonces, naturaleza controvertida, se le empezó a valorar como compositor. Entre sus obras más importantes cabe destacar el cuarteto en sol menor (1893) y el Preludio a la siesta de un fauno (1894), su primera composición orquestal madura escrita a los 32 años basada en un poema del escritor simbolista Stéphane Mallarmé. 

El músico fue un lector de Pierra Bandelaire, Paul Verlaine y otros; con el arte de estos maestros de la literatura, así como con los pintores llamados impresionistas la música que Debussy componía tenía una afinidad esencial. Por eso era asiduo visitante de Mallarmé. Su ópera Peleas y Melisande, basada en la obra teatral del mismo nombre del poeta belga Maurice de Maeterlinck, data de 1902 y le otorgó a Debussy el reconocimiento como músico de prestigio. La forma en que la partitura realzó el abstracismo y ensueño de la obra original de Maeterlinck fue extraordinaria, así como el tratamiento de la melodía, que, en manos del compositor, se convirtió en una extensión o duplicación del ritmo. Considerada por los críticos como una fusión perfecta entre la música y el drama, se ha llevado a escena en numerosas ocasiones. Entre 1902 y 1920 Debussy compuso casi de forma exclusiva obras para piano. De su producción de este periodo destacan Estampas (1903), L'île joyeuse (1904), Imágenes (dos series, 1905 y 1907) y varios preludios. 

Se alejó del tratamiento tradicional del piano como instrumento de percusión y le dio más importancia a sus cualidades expresivas. En 1909 le diagnosticaron un cáncer del que murió el 25 de marzo de 1918 durante los acontecimientos de la I Guerra Mundial. La mayoría de sus composiciones de este periodo son para música de cámara. Entre ellas tenemos el extraordinario grupo de sonatas (para violín y piano, violonchelo y piano, y flauta, viola y arpa), en las que la esencia de su música se destila en estructuras más sencillas, próximas al estilo neoclásico. 

La música de Debussy, en su fase de plena madurez, fue la precursora de la mayor parte de la música moderna y lo convirtió en uno de los compositores más importantes de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Sus innovaciones fueron, por encima de todo, armónicas. Aunque no fue él quien inventó la escala tonal completa, sí fue el primero que la utilizó con éxito. Su tratamiento de los acordes fue revolucionario en su tiempo; los utilizaba de una manera colorista y efectista, sin recurrir a ellos como soporte de ninguna tonalidad concreta ni progresión tradicional. 

Esta falta de tonalidad estricta producía un carácter vago y ensoñador que algunos críticos contemporáneos calificaron de impresionismo musical, dada la semejanza entre el efecto que producía esta clase de música y los cuadros de la escuela impresionista. Aún hoy se sigue empleando este término para describir su música. Debussy no creó una escuela de composición, pero sí liberó a la música de las limitaciones armónicas tradicionales. Además, con sus obras demostró la validez de la experimentación como método para conseguir nuevas ideas y técnicas. Entre otras obras importantes destacan la música para escena de El martirio de San Sebastián (1911) de Gabriele d'Anninzio, la música para ballet Juegos (1912), el poema orquestal La mer (1905) y las canciones Cinq poèmes de Baudelaire (1889).

El mar

El Mar fue iniciada en julio de 1903 y terminada exactamente a las seis de la tarde del 5 de marzo de 1905. Camille Chevillard dirigió el estreno en los Concerts Lamoureux, en París, el 15 de octubre de 1905. Cualquiera que se acerque a El Mar con expectativa de imágenes específicas, se sentirá desilusionado. Debussy registró impresiones, una serie de emociones desbordantes, una evocación de la magia del mar más que de su apariencia, una meditación sobre su carácter.

El Mar fue compuesta durante una época difícil para Debussy. El compositor quería escribir sobre el mar, pero sentía que el estar realmente en el océano lo distraería y haría que el acto de componer pareciera superfluo. Así que él y su esposa Lily fueron a las montañas de Borgoña, donde "mi viejo amigo el mar, siempre innumerable y bello", no era sino un recuerdo sensorial. El proceso de la composición avanzó muy lentamente y hubo muchas demoras. Un año más tarde el trabajo estaba lejos de estar terminado y los Debussy nuevamente se prepararon para salir durante el verano. Pero el 14 de julio de 1904, día en que los franceses celebran la toma de la Bastilla, Debussy abandonó a Lily.

Es imposible evaluar el impacto que tuvieron sus dificultades personales sobre El Mar. Es verdad que el compositor pudo terminar la pieza al cabo de dos años de trabajo permanentemente interrumpido y, es verdad que en ella su estilo cambió de las texturas anteriores finas y casi nebulosas a un lenguaje más denso, más concreto, más disonante y más polifónico. Éstos cambios, por supuesto, podrían haber ocurrido incluso en circunstancias más felices; de hecho fueron lo que Debussy probablemente consideraba apropiado en un trabajo relacionado con el mar.

El compositor sentía que había una identidad básica entre la omnipresencia misteriosa de los fenómenos naturales y el pathos subjetivo del espíritu humano. Estaba interesado en reflejar en la música los sutiles matices de los detalles más pequeños y los triunfos más majestuosos de la naturaleza.

El amor del compositor por la naturaleza se extendía al agua, la nieve, la niebla, las nubes, los peces, la lluvia y, sobre todo, al mar, a los que convirtió en sujetos de sus composiciones.

    

VANESA LEÓN ALVAREZ. 1ºAB

"El pájaro de fuego". Stravinsky

Ígor Fiódorovich Stravinsky

Fue un compositor y director de orquesta ruso y uno de los músicos más importantes del siglo XX.

Su larga vida le permitió conocer muchas corrientes musicales. Protestó contra quienes lo tachaban de un músico del porvenir:

«Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente»

Compuso gran cantidad de obras clásicas de estilos como el primitivismo y el neoclasicismo, pero es conocido sobre todo por tres obras de sus períodos iniciales: El pájaro de fuego, Petrushka y La consagración de la primavera. Para muchos, estos ballets clásicos reinventaron el género.

También escribió para conjuntos, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz.

Alcanzó la fama como pianista y director.

Fue también escritor de un trabajo teórico titulado Poetics of Music, en el cual dijo una famosa frase:

¨La música es incapaz de expresar nada por sí misma¨

La carrera de Stravinski pasa por tres grandes períodos estilísticos:

-Periodo primitivo o ruso

-Periodo neoclásico

-Periodo dodecafónico o serialista

El pájaro de fuego

El mensaje de esta obra podría ser que debes tratar bien a todos los seres ya que nunca sabes cuando puedes necesitar su ayuda. En este caso sería la figura del príncipe Iván que captura al pájaro y cuando le deja libre esta le ayuda a acabar con Kastchei y que así no pueda convertirle en piedra y pueda casarse con la princesa.

Oliver Messiaen - Cuarteto para el fin de los tiempos

Oliver Messiaen - Cuarteto para el fin de los tiempos

Olivier Messiaen, nació el 10 de diciembre de 1908 y murio el 27 de abril de 1992 fue un compositor, organista y ornitólogo francés. Ingresó en el Conservatorio de París a la edad de 11 años, y tuvo como profesores a Paul Dukas, Marcel Dupré, Maurice Emmanuel y Charles-Marie Widor. Fue designado organista en la Iglesia de la Santa Trinidad de París en 1931, puesto que ocupó hasta su muerte.

En 1940, en la Batalla de Francia, Messiaen fue hecho prisionero de guerra, y mientras estaba encarcelado compuso su «Quatuor pour la fin du temps» («Cuarteto para el fin del tiempo») para los cuatro instrumentos disponibles allí: piano, violín, violonchelo y clarinete. La obra fue estrenada por Messiaen y sus amigos prisioneros ante una audiencia de prisioneros y vigilantes^. Al salir de prisión en 1941, pronto Messiaen fue nombrado profesor de armonía, y luego profesor de composición en 1966 en el Conservatorio de París, puesto que mantuvo hasta su retiro en 1978. Entre sus distinguidos alumnos están Pierre Boulez, Yvonne Loriod (quien después sería la segunda esposa de Messiaen, y la intérprete por excelencia de sus obras escritas para piano o con piano solista), Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis, William Bolcom y George Benjamin.

La música de Messiaen es rítmicamente compleja, y se basa armónica y melódicamente en los modos de transposición limitada, que fueron una innovación propia de Messiaen. Muchas de sus composiciones representan lo que él llamó «los aspectos maravillosos de la fe», mostrando su inquebrantable catolicismo. Viajó mucho y escribió sus obras inspirado por diversas influencias tales como la música japonesa, el paisaje del Cañón de Bryce en Utah o la vida de San Francisco de Asís. Messiaen experimentó una cierta sinestesia manifestada como una percepción de colores cuando oía ciertas armonías. Durante un período muy corto, Messiaen experimentó con el serialismo integral, en cuyo campo es citado a menudo como un innovador. Su estilo absorbió muchas influencias musicales exóticas tales como Gamelan de Indonesia, y también usó las ondas Martenot.

Messiaen estaba fascinado por el «canto de los pájaros»; decía que los pájaros eran los mejores músicos y se consideraba a sí mismo tanto ornitólogo como compositor. Transcribía el canto de los pájaros en sus viajes por todo el mundo, e incorporó las transcripciones de estos cantos en gran parte de su música. Su uso innovador del color, su concepción personal de la relación entre el tiempo y la música, su uso del canto de los pájaros, y su intento de expresar profundas ideas religiosas, todo se combina de tal modo que hace casi imposible confundir una composición de Messiaen con una obra de cualquier otro compositor contemporáneo occidental.

Esta obra de Messiane, Cuarteto para el fin de los tiempos, fue una de las obras mas importantes de este autor, es sin duda una de las obras mas representativas del repertorio cameral del siglo XX. Esta obra estaba basada en los cantos de los pajaros. este autor represento un gran afán por estos animales con diferentes cantos y esto lo emplea en todas sus obras posteriores al 1950