tercer trimestre

ARRIBA EL TELÓN. Pincha aquí: "Instrucciones artículos 3er. Trimestre", intenta hacerlo cuanto antes. Tienes hasta el 11 de mayo para escribir la poesía y hasta el 1 de junio para poner el vídeo. ¡Suerte artista!

sábado, 24 de noviembre de 2012

La Pasión de Rubens y Bach

La Pasión del Barroco
La Pasión, es un oratorio que se basa en la muerte de Cristo. Su origen es del S. IV y se basa en la tradición de la Iglesia de tratar los temas de la crucifixión y muerte de Cristo.

La pasión de Rubens:

Peter Paul Rubens es un pintor barroco de la escuela flamenca, tiene un estilo de movimiento y color, ha tratado todo tipo de temas, religiosos, históricos, de la antigüedad... 
Nace en Westfalia ( Alemania). Aprendió el oficio de la pintura cuando trabajó en el Servicio de la condesa Margaretha de Ligne-Arenberg se cree que tuvo dos maestros. Rubens pasó toda su vida viajando, y se llegó a convertir en un gran pintor.

Cuadro de la Elevación a la Luz, en Ambere
Una de sus obras más importantes es "La elevación a la Cruz" obra que pintó en su madurez, fue en su regreso a Flandes, después de pasar un temporada en Italia, dicha imagen consta de tres paneles, el central, el más importante se puede ver a Cristo en la cruz y a un grupo de hombres musculosos levantando la cruz, en esta imagen está en clave el movimiento, ya que intenta poner la cruz en vertical, utiliza colores dinámicos  así como el Claroscuro. Dicha imagen se encuentra en la Catedral de Nuestra Señora en Ameres, Bélgica. 

La Elevación a la cruz, en la imagen se ve a los hombres levantando la cruz.
La pasión de Bach:

Johann Sebastan Bach es un organista, clavecista y compositor alemán, su época es considerada como la cumbre de la música barroca, llegó a ser el compositor y música más importante de su época y trabajo diversos temas y sus obras más importantes son:  

Conciertos de Brandeburgo
Clave bien temperado
Misa en si menor
Pasión según San Mateo
El arte de la fuga, 
Variaciones Goldberg
Tocata y fuga en re menor

Su obra más destacada en la pasión es " La pasión según San Mateo" Presenta la muerte y el sufrimiento de Cristo en la cruz, dura aproximadamente 2h. y media, fue interpretada por primera vez el 15 de abril de 1729 ( Viernes Santo) en Santo Tomas. Tras la muerte de Bach esta obra cayó en el olvido. 
La obra está escrita para 2 coros, formado de 4 voces cada uno, no usó voces de mujer, si no voces de niño.


Relación:
La relación que he tomado entre las dos obras sobre la pasión, tanto en la pintura de Rubens como en la música de Bach,  ha sido no solo por su estilo, ya que ambas hablan o quieren interpretar una visión de la elevación de Dios a los cielos o su muerte, sino que además se puede observar que en la obra de Bach la voz es ascendente y tiene relación con el cuadro de Rubens ya que indica cómo la cruz asciende hasta colocarse de una forma vertical, la música quiere indicar como un ambiente divino que es el que experimenta la imagen con su movimiento.

                                               Aitor Díaz Palencia 1ºAB

Felipe IV, mecenas de las artes:

Felipe IV de Austria (o Habsburgo) (8 de abril de 1605 – 17 de septiembre de 1665), llamado el Grande o el Rey Planeta, fue rey de España desde el 31 de marzo de 1621 hasta su muerte y de Portugal desde la misma fecha hasta diciembre de 1640. Su reinado de 44 años y 170 días fue el más largo de la casa de Austria y el tercero de la historia española.

Durante la primera etapa de su reinado compartió la responsabilidad de los asuntos de Estado con don Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares, quien realizó una enérgica política exterior que buscaba mantener la hegemonía española en Europa. Tras la caída de Olivares, se encargó personalmente de los asuntos de gobierno, ayudado por cortesanos muy influyentes, como Luis Méndez de Haro, sobrino de Olivares, y el duque de Medina de las Torres.

De los monarcas españoles este es quizás uno de los más curiosos. De hecho en los primeros años. Fue manipulado y tomado por tonto. Sin embargo su accionar y el gran interés que le despertaban sus aficiones hizo que los españoles contaran con un período brillante en la producción artística.

Felipe IV fue hombre de gran cultura y mecenas de las artes; se le considera el mayor coleccionista de pinturas del siglo XVII.



Pintura y Música de la época:

Felipe IV fue un importante mecenas y acogió a muchos artistas. Tuvo a Velázquez a su servicio (pintor más importantes de la época), adquirió obras importadas de los Países bajos y de Italia, se cultivó en las letras e incluso tuvo un profesor personal de danza.

Las artes escénicas representaban una verdadera pasión y , para garantizar que se llevasen a cabo con cierta frecuencia construyó un Coliseo en el Palacio del Buen Retiro. La música ocupó un lugar importante en la Corte de Felipe IV. Mateo Romero fue el Maestro de Capilla pero hubo otros compositores cerca suyo: Gabriel Díaz, Alvaro de los Ríos, Miguel de Arizo, Juan Bas de Castro y Manuel Machado, trabajaron en la composición de partituras.
Felipe IV no sólo se mantuvo contemplativo en relación a las artes sino que llegó a pintar, escribir y componer música, pero su espíritu tímido y apocado lo llevaron a ocultar su producción.

Su reinado fue clave para el desarrollo artístico en España, lo cual explica que este siglo sea conocido como EL Siglo de Oro en España.

La prueba más fehaciente de la intensa actividad en relación a la danza durante los siglos XVI y XVII es la proliferación de colecciones de música instrumental compuestas a este fin. Los instrumentos se encontraban en permanente transformación, la vihuela empezaba a reemplazarse por la guitarra de cinco cuerdas y los instrumentos de cuerda pulsada habían adquirido un sistema denotación por cifras. Para explicar el funcionamiento de estos sistemas de notación se generaron manuales que exponían el modo de utilizarlos.

Hasta entonces seguían siendo útiles los manuales de vihuela del siglo XVI de Luis de Milán (1535), Luis de Narváez (1538),Alonso de Mudarra (1546), Enrique Valderrábano (1547) y Diego Pisador (1552). Aunque publicado después de finalizar el reinado de Felipe IV, el tratado de Gaspar Sanz Instrucción de Música sobre la Guitarra Española, (Zaragoza, 1674) contiene una importante cantidad de danzas que, sin duda corresponden al período del reinado de Felipe IV.

Velázquez:

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, hacia el 5 de junio de 15991 – Madrid, 6 de agosto de 1660), conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.

Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista, por influencia de Caravaggio. A los 24 años se trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores de la corte. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo consistía en pintar retratos del rey y de su familia, así como otros cuadros destinados a decorar las mansiones reales. La presencia en la corte le permitió estudiar la colección real de pintura que, junto con las enseñanzas de su primer viaje a Italia, donde conoció tanto la pintura antigua como la que se hacía en su tiempo, fueron influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas. En su madurez, a partir de 1631, pintó de esta forma grandes obras como La rendición de Breda. En su última década su estilo se hizo más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se inauguró con el Retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia, y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las Meninas y Las hilanderas.

Su catálogo consta de unas 120 o 125 obras. El reconocimiento como pintor universal se produjo tardíamente, hacia 1850. Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores impresionistas franceses, para los que fue un referente.

LAS MENINAS


Se aprecia su último estilo: trazos largos y sueltos en los contornos y pinceladas breves en los toques de luz,
fundamentalmente en los vestidos.

Este complejo lienzo es la cima de su pintura. La maestría de su luz hace sentir como verdadero el aire de la habitación.

Su pintura: Además de conseguir pleno dominio de la perspectiva aérea, manejaba una gama extraordinaria de matices y gradaciones de color, buscando la armonía cromática. Su pintura se ajustaba a los presupuestos formales barrocos sobre el color, que debía dar unidad al cuadro con el predominio de una tonalidad.

                                                                                                Patricia Tomé Escalona 1ºBB


Rameau y Couperin

François Couperin

Nació el 10 de noviembre de 1668 en París y murió el 11 de Septiembre de 1733.
Es uno de los más importantes compositores de la música barroca francesa en general y de la música para clave en particular. Se le llama Couperin le Grand (Couperin el Grande) para distinguirlo de otros miembros de su familia, también músicos. Es el más destacado de todos ellos, por su inmenso virtuosismo al órgano y al clave. La familia Couperin constituyó una de las familias musicales francesas más numerosas de los siglos XVII y XVIII. Compuso música vocal y música instrumental.

MÚSICA INSTRUMENTAL:
Música para clave:
Couperin es, el gran maestro del clavicémbalo en Francia, tanto por la cantidad de piezas que compuso como por su calidad.
El arte de tocar el clave" (L'art de toucher le clavecin), 8 Preludios (1716). Este famoso libro contiene ejercicios de digitación , pulsación, ornamentación y otros aspectos de la técnica para teclado. Es una valiosa guía para comprender la música de Couperin y el estilo francés de la época, mucho más ornamentado que los estilos italiano y alemán de la época. Influyó en J.S. Bach, que adoptó su sistema de digitación, incluyendo el uso del pulgar, que Couperin explicaba para tocar el clavicémbalo.
- 4 libros de suites (1713,1716-1717,1722 y 1730). Maestro incontestable del clavicémbalo, François Couperin adapta la "suite de danses" a su sensibilidad poética. No utiliza el nombre de "suite" sino el de "ordre", pero son equiparables a las suites instrumentales de los maestros alemanes de su época. Estas 220 piezas para clavicémbalo las agrupa en veintisiete Ordres.
-Premier livre (Primer libro, 1713) : Ordres 1 à 5.
-Deuxième livre (Segundo libro, 1716-17) : Ordres 6 à 12.
-Troisième livre (Tercer libro, 1722) : Ordres 13 à 19.
-Quatrième livre (Cuarto libro, 1728) : Ordres 20 à 27.
Música para órgano.
Música de cámara.
MUSICA VOCAL:
-Religiosa:  Compuso unas veinticinco obras sacras. 
-Profana: 12 arias.  

Jean-Philippe Rameau

Nació el 25 de septiembre de 1764 en París y murió el 12 de Septiembre de 1863.
Fue un compositor, clavecinista y teórico musical francés, muy influyente en la época barroca.
Falleció en 1764, apenas un mes antes de que otro gran músico francés muriera asesinado en un otoño aciago para la música.
La obra lírica de Rameau a la que comenzó a dedicarse casi a los 50 años y que consta de 31 obra  constituye la mayor parte de su contribución musical y marca el apogeo del Clasicismo francés.
Sus obras para clavecín, sin embargo, han estado siempre presentes en el repertorio —Le TambourinL'Entretien des MusesLe Rappel des OiseauxLa Poule— y fueron interpretadas (al piano) en el siglo XIX, de igual modo que las obras de Bach.
Rameau es generalmente considerado como el músico francés más importante anterior al siglo XIX y como el primer teórico de armonía clásica:: sus tratados, a pesar de algunas imperfecciones, fueron hasta principios del siglo XX obras de referencia.
Las obras en que Rameau expone su teoría de la música son, esencialmente, cuatro:
     

Paralelismos

Son las dos figuras cumbre del clavecinismo francés. Los dos compusieron obras musicales muy importantes en la época barroca. 
C
ouperin es, ante todo, con Jean Philippe Rameau, el gran maestro del clavicémbalo en Francia, tanto por la cantidad de piezas que compuso como por su calidad.


Variaciones Goldberg

El conde Hermann Carl  von Keyserlingk  no podía dormir. Aquejado de un insomnio galopante, pasaba muchas noches en vela.
Hacia el año 1741,  Hermann Carl era, como buen príncipe ruso de la época, rico, además de un hombre culto y amante del arte, condición indispensable perteneciendo a la nobleza y la realeza de la época barroca. Mantenía a su servicio un considerable número de criados, sirvientes y acompañantes, incluidos, naturalmente, músicos que amenizaban fiestas, reuniones y veladas.Uno de estos músicos era Johann Gottlieb Goldberg, un dotado clavecinista, uno de los más hábiles de su época, al que Keyserlingk conoció en 1737 y desde entonces fue su protegido y músico de cabecera. El conde  era mecenas y protector de artistas y músicos, entre ellos de Johann Sebastian Bach. Resulta curioso saber su gran interés por la música, hasta el punto de que llegó a apadrinar a Carl Philipp Emanuel Bach, hijo de Johann Sebastian. Fruto de esta relación mecenas-protegido fue que Goldberg fuera enviado a pasar temporadas con Bach para perfeccionar su técnica y aprender de la música religiosa luterana del siglo XVIII.
Sí, el conde Keyserlingk era un hombre afortunado, todo lo tenía, todo… pero no podía dormir. 

 Entonces al  conde se le ocurrió encargar a su protegido y amigo Johann Sebastian la composición de alguna obra que, ejecutada por su fiel Goldberg, le permitiera conciliar el sueño. Éste decidió escribir un conjunto de variaciones para clavecín sobre un tema principal, alternando pasajes rápidos con otros más lentos, en general alegres y que exaltaran el espíritu de tal forma que llevaran al oyente a un estado de relajación que le ayudara a conciliar el sueño. Todo eso, a pesar de que al gran Bach de 1741 no le gustaba nada componer variaciones: le resultaba aburrido y poco gratificante: lo que para casi todo el mundo era dificilísimo o simplemente imposible, para él era trivial… Bach estaba por entonces en el culmen de su producción como Maestro Cantor de la Iglesia de Santo Tomás, donde compuso sus obras más insignes, como la importante Pasión según San Mateo. El resultado fue un conjunto de un aria (el tema principal), seguido de treinta variaciones sobre ella y terminadas con una repetición final del mismo aria inicial.  El conde Keyserlingk se las encomendó a Goldberg para que las interpretara siempre que lo necesitara. A partir de ese momento, en las noches de insomnio el conde pedía a Goldberg que le tocara “alguna de mis variaciones”… y el conde por fin pudo dormir. Tal fue su agradecimiento que entregó a Bach, en pago por sus queridas Variaciones, una escandalosa cantidad de dinero (cien luises de oro, el equivalente de unos 500 táleros) contenidos en una copa también de oro, casi la misma suma que representaba para Bach un salario anual como maestro cantor de la Thomaskirche, que ya era un salario más que generoso… Y las variaciones fueron desde entonces conocidas como Variaciones Goldberg, en recuerdo del esforzado clavecinista del conde.

 

Todos estos acontecimientos los refiere prolijamente el biógrafo de Bach, en la biografía suya que publicó en 1802, más de cincuenta años después de su muerte, en 1750.
Prácticamente ningún estudioso de la obra y de la vida y circunstancias de Johann Sebastian Bach la da por verdadera. La obra, originalmente denominada por Bach “Aria con variaciones diversas para clave con dos teclados” fue compuesta a lo largo de varios años y publicada en 1741 como la cuarta parte del “Clavier-Übung”, algo así como “Ejercicios para teclado” para aficionados exigentes Las tres primeras partes eran: la primera, Seis partitas para clave; la segunda, el Concierto italiano y la Obertura francesa; y la tercera, la Misa alemana para órgano y cuatro duetos para clave.

El hecho de que la publicación se produjera en 1741 o 1742, es decir, en vida del autor, es una rareza. Sin embargo, es casi seguro que su composición sería años anterior, pues se ha encontrado una copia manuscrita del aria en un cuaderno de la segunda esposa de Bach, fechado hacia 1725, aunque bien pudo ser añadida después.
En fin, lo más probable es que bien Goldberg, bien el propio Keyserlingk, se hicieran con una copia de esa primera edición, quizá entregada por el propio Bach a su protector, y tanto fue el agradecimiento del conde y tanto las interpretó su clavecinista que, con el paso de los años, todo el mundo las conoce como “Variaciones Goldberg”. Le sirvieran para dormir, o no, pero eso nunca lo sabremos con seguridad.



SARA SANCHEZ SANZ

viernes, 23 de noviembre de 2012

Vivaldi y el arte Barroco



Vivaldi

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741), más conocido como Antonio Vivaldi, fue un compositor y músico del Barroco tardío. Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época.

Era apodado il prete rosso ("el cura pelirojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, que forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventionea", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concierto Soli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concierto Soli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía



Análisis de esta obra

En el barroco la música era muy importante explotaban al máximo los recursos de los instrumentos y del lenguaje musical. Esta obra se caracteriza por sus movimientos vivos y lentos. En ella destacan los planos sonoros , en los que se alternan grupos instrumentales con composiciones variadas e interviene un solista en el diálogo con la orquesta. Como es propio de esta época, la técnica de los instrumentos se ha mejorado, las obras barrocas se caracterizan por su dramatismo, por lo que nos produce un sentimiento de tristeza o pena o también se caracterizan por conflictos entre dos fueras .

En esta obra se recurre a diversos medios musicales y a curvas , contracurvas de las líneas ornamentales, y está decorada con los adornos típicos de esta época . Es un concierto para solista, es importante el tutti.

Pintura barroca


Comparación

He elegido esta pintura barroca porque la identifico con las características de la época.
Tanto la música como la pintura barroco del siglo XVII se caracteriza por su aspecto dinámico, que contrasta con el estilo clásico y estático. Estas pinturas se distinguen por sus formas diagonales, que dan sentido de movimiento, y también por sus claro oscuros. Tienen un  estilo dramático, al igual que las obras musicales como Teuzzone y carácter grandioso, gracias a las caracteristicas de la Contrarreforma. Muchos pintores de principios del siglo XVII querían dar un reflejo más exacto del mundo natural.

jueves, 22 de noviembre de 2012

HANDEL Y EL REY JORGE II

Música Real de Inglaterra



Si el padre de Georg Fridrich Handel hubiera vivido más tiempo, probablemente el mundo habría perdido a un gran compositor. El padre, que era médico en el distrito de Halle en Sajonia, se casó por segunda vez a los 60 años, y George Fridrich nació de ese matrimonio. Aunque el joven Handel mostró un excepcional talento musical, tocando el órgano a la edad de siete años, su padre quería que fuera abogado.


Pocos años después de la muerte de su padre, Handel se dedicó de tiempo completo a la música. En Italia escribió sus primeras óperas y en 1710 viajó a Londres, y lo que al principio se suponía que sería, una visita corta se convirtió en una residencia de por vida.

En 1713, a la edad de 36 años, escribió una obra para celebrar el cumpleaños de la reina Ana, por la cual recibió una pensión vitalicia de 200 libras anuales. Se convirtió en el maestro no oficial de la música real. El rey Jorge I le dobló la pensión, y la coronación de Jorge II, en 1727, incluyó cuatro himnos compuestos por Handel. En ese mismo año, Handel se naturalizó ciudadano inglés y dio a su nombre estilo inglés, convirtiéndolo en George Frederick.

Durante casi 30 años escribió óperas que atrajeron multitudes de londinenses elegantes a los teatros. Pero las óperas de Handel poseían un característico sabor italiano y las óperas italianas pasaron de moda repentinamente.

Con la salud quebrantada, Handel estaba a punto de dejar Inglaterra cuando el gobernador de Irlanda lo invitó a dar una serie de conciertos en Dublín. Mientras planeaba su viaje, Handel escribió un nuevo oratorio, El Mesías, en sólo 23 días, a veces sin dormir ni comer. Cuando terminó el coro de Aleluya, dijo a su asistente: "Creo que he visto el cielo delante de mí, y también a Dios."

El estreno de este oratorio, que se llevó acabo el 13 de abril de 1742 en Dublín, estuvo dedicado a obras de caridad y tuvo un éxito rotundo.

Handel era profundamente religioso, pero su decisión de escribir El Mesías y concentrarse en los oratorios se debió, en gran parte, a que la ópera ya no estaba de moda. Veía al oratorio como una forma de ópera que captaba el espíritu de la época, con historias musicalizadas de las Sagradas Escrituras, interpretadas por cantantes, coros y orquesta.

Dada su índole religiosa, los oratorios tenían otra ventaja muy práctica: podían representarse durante la Cuaresma, época en que los demás teatros se veían obligados cerrar.

El Mesías se estrenó en el Covent Garden, de Londres. Durante el concierto, el rey Jorge II se emocionó tanto que, al llegar la parte de los coros de Aleluya, se puso a dar saltitos. Sus súbditos hicieron lo mismo y, desde entonces, se hizo tradición el ponerse de pie cada vez que es ejecutada esa parte.

Handel quedó ciego siete años antes de morir. En 1759, durante una representación de El Mesías, cayó desmayado y nunca se recobró. Fue sepultado en la Abadía de Westminster, pero su petición de ser enterrado de forma privada no fue obedecida. Más de 3,000 entristecidos admiradores acudieron al funeral.

A los 25 años de su muerte, se llevó a cabo una representación conmemorativa de El Mesía, que incluyó la fabulosa cantidad de 95 violines, 26 violas, 21 cellos, 20 oboes, 12 trompetas, 4 juegos de timbales y un coro compuesto por 257 voces. En los festivales en honor a Handel, que se llevaron a cabo entre 1857 y 1926, tornaron parte más de 4,000 ejecutantes.

Esta gran cantidad de instrumentistas, aunque no formaba parte del concepto original de Handel, ha logrado que El Mesías sea una de las piezas más conocidas del compositor. Ninguna Navidad o Pascua transcurre sin que se toque esta obra en algún lugar.



REPRESENTACION DE LA MUSICA ACUATICA DE HAENDEL EN 2008
ALEJANDRO MATUTE BARRAGAN

LUIS XIV: EL PODER A TRAVÉS DE LA MÚSICA



El rey de Francia Luis XIV durante el siglo XVII, siguiendo los fundamentos de monarca absoluto, era el propio Estado como él decía. "El bien del Estado constituye la Gloria del Rey" según algunas de sus afirmaciones. No obstante su vida no fue principalmente política en el trono sino también en parte cultural. En cierto momento utilizó su pasión por la música y la danza en su política. Hecho que relato a continuación.

Luis XIV accedió al trono a los cinco años y soportó la despótica regencia de su madre hasta los trece años. Era conocido como "El Rey Sol" o "Luis el Grande". Durante la Regencia - ostentada de facto por el Cardenal Mazarino - Francia soportó las dos guerras civiles más cruentas que había vivido el país (conocidas como las Frondas). Luis XIV tan solo un niño, tuvo que huir varias veces de Palacio, dormir en establos y vio peligrar su vida en varias ocasiones. Es a partir de estas revueltas que fue siempre muy suspicaz con la nobleza que le había traicionado en dos ocasiones.

Una de las grandes aficiones del niño-rey fue la danza. Era un gran bailarín y le gustaba tomar parte en los ballet de cour tan populares en aquel tiempo. Ya fuera por la situación política tan inestable, por la necesidad de encontrar el mayor número de apoyos o por el miedo de perderlos, Luis XIV gustaba de llenar los ballets de la corte de mensajes intrincados que, muchas veces, solo podían entenderlos los mismos interesados.

La escena más conocida es la del Ballet de la nuit coreografiado por Bocan y con música de Lully de 1653, dos años después de su mayoría de edad y unos meses después de su entrada victoriosa en París tras haber vencido a los sublevados de la Fronda. En la escena, aparece el rey caracterizado como un sol y alrededor de él, una serie de cortesanos señalados girando en torno suyo. El mensaje, lo debieron captar muchos nobles que aquella noche presenciaban el baile y muchos quedaron señalados de forma sutil. A raíz de esta coreografía se popularizó el sobrenombre para Luis XIV de el Rey Sol.

Otra alegoría conocida de Luis XIV se daba en La nozze di Peleo e di Teti de 1654 donde Luis XIV se caracterizaba como Apolo que debe pacificar a los dos amantes (Peleo y Tetis) el día de su boda - representando cada uno de ellos a cada una de las dos Frondas (los parlamentarios y los nobles).

A través de la alegoría y el mensaje abstracto de la música, Luis XIV consiguió trasmitir a los rebeldes mensajes de gran calado sobre su política sin ofender su susceptibilidad puesto que la interpretación era lo suficientemente ambigua para poderse dar por aludido.

¿Sabías que en 2005 Gerard Corbiau dirigió "La pasión del rey (le roi danse)", una película sobre la pasión de Luis XIV por el baile y su relación con el poder?

¿Sabías que el compositor favorito de Luis XIV, Jean-Baptiste Lully, fue el primer músico en sufrir un accidente laboral? Murió al golpearse el pie con la batuta (antes se marcaba el ritmo con un enorme bastón) e infectarse.

Como dato personal y reflejando la pasión del rey por el teatro me he tomado la libertad de añadir un vídeo musical del grupo Eurythmics. En él el rey Luis XIV asiste a una obra que han preparado para él con el objetivo de sacarle de su aburrimiento. A medida que la canción cobra intensidad el interés del rey aumenta.

Eurythmics - There Must Be An Angel


¿QUIÉN DESCUBRIÓ A BACH?



Johan Sebastian Bach

Fue un organista, clavecinista y compositor alemán de musica del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.

 Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.

Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto,2 donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.

Obras
Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, varios ciclos de Cantatas, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales. 244 es una pasión oratórica de Johann Sebastian Bach. Presenta el sufrimiento y la muerte de Cristo según el evangelio de san Mateo. Con una duración de más de dos horas y media (en algunas interpretaciones incluso más de tres horas), es la obra más extensa del compositor. Es una obra central de la música artística (Hubert Parry la ha definido como el más rico y noble ejemplo de la historia de la música sacra).

La Pasión según Mateo consta de dos grandes partes conformadas por 68 números. El texto del evangelio de San Mateo, capítulos 26 y 27, es cantado literalmente por un evangelista, y las personas de la trama (Cristo, Judas, Pedro, etc.) por los demás solistas. Alrededor del texto bíblico se agrupan coros, corales, recitativos y arias con la intención de interpretar el texto.

Pero Bach cayó en el olvido.... Y alguien le rescató. Ese fue:

Félix Mendenssohn cuyo nombre completo era Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy, fue un compositor, director de orquesta y pianista de música romántica alemán.

 Nació en el seno de una destacada familia judía, que más tarde se convirtió al protestantismo, adoptando el apellido Mendelssohn-Bartholdy. En su infancia fue considerado un prodigio musical, pero sus padres no trataron de sacar partido de sus habilidades. De hecho, su padre declinó la oportunidad de que Felix siguiera una carrera musical hasta que quedó claro que tenía la firme intención de dedicarse seriamente a ella.


Las obras de Mendelssohn incluyen sinfonías, conciertos, oratorios, oberturas, música para piano y música de cámara. También tuvo un importante papel en el resurgimiento del interés en la obra de Johann Sebastian Bach. Sus gustos musicales esencialmente conservadores lo separaron de muchos de sus contemporáneos más aventurados, como Franz Liszt, Richard Wagner o Hector Berlioz. Después de un largo periodo de denigración debido al cambio de los gustos musicales y el antisemitismo a finales del siglo XIX y comienzos del XX, su originalidad creativa tiene un buen reconocimiento,2 ha sido evaluada de nuevo y se ha convertido en uno de los compositores más populares del periodo romántico.

El joven Felix Mendelssohn se vio influido enormemente en su infancia por la música de Johann Sebastian Bach, Ludwig van Beethoven y Wolfgang Amadeus Mozart y las muestras de ello se pueden ver en las primeras doce sinfonias para cuerdas, escritas principalmente para ser representadas en su hogar y que no fueron publicadas o interpretadas públicamente hasta mucho tiempo después de la muerte del compositor. Escribió estas doce sinfonías, cuando tenía entre 12 y 14 años de edad.

Sus asombrosas capacidades fueron reveladas especialmente en un grupo de obras en su adolescencia: Sonata para clarinete y piano en mi mayor (1824), el Octeto para cuerdas (1825), la obertura de El sueño de una noche de verano (1826) (cuya forma final le debe mucho a la influencia de Adolf Bernhard Marx, un amigo íntimo de Mendelssohn en esa época) y el Cuarteto para cuerdas en la menor . Estas obras muestran una comprensión intuitiva de la forma, la armonía, el contrapunto, el timbre y la técnica compositiva de Beethoven, que justifica las reclamaciones realizadas frecuentemente sobre que la precocidad de Mendelssohn superaba incluso a la de Mozart por su comprensión intelectual

Sinfonías

 La numeración que reciben sus sinfonías compuestas durante su madurez sigue aproximadamente su orden de publicación, en lugar de su orden de composición. El orden en el que las compuso fue: Primera, Quinta, Cuarta, Segunda y Tercera Sinfonía. La ubicación temporal de la Tercera es problemática debido a que trabajó en ella durante más de una década; comenzó los bosquejos poco después de la Quinta pero la completó después de finalizar tanto la Quinta como la Cuarta.



Relación entre Bach y Mendelssohn

Mendelssohn admiraba a Bach por lo que empleó como base para su enseñanza musical El clave bien temperado. Las obras del propio Mendelssohn muestran su estudio del Barroco y los comienzos del Clasicismo. Sus fugas y obras corales sobre todo reflejan una claridad tonal y un uso del contrapunto, que remite al estilo de Johann Sebastian Bach, por cuya música estaba fuertemente influido.


Mendelssohn le propuso a su maestro, Zelter, dirigir en público la Pasión según San Mateo, de Johann Sebastian Bach, al que admiraba gracias a su maestro. Por razones técnicas, Zelter consideró imposible la ejecución de esta obra, pero el ímpetu de Felix se impuso y, con el apoyo de Zelter y la ayuda de un amigo, el actor Eduard Devrient, se interpretó esta obra el 11 de marzo de 1829 en Berlín. Era la primera vez que se ejecutaba desde la muerte de Bach en 1750 y Mendelssohn realizó los arreglos y dirigió la orquesta y Zelter los coros de la Singakademie  de Berlín. El éxito de esta representación fue un elemento importante en el redescubrimiento de Bach para el gran público en Alemania y, más tarde, en toda Europa, ya que por aquella época predominaba la música de Joseph Haydn, Mozart, Carl Maria von Weber, Gaspare Spontini Rossini, Christoph Willibald Gluck, Carl Heinrich Graun, Johann Friedrich Fasch Händel. Este éxito le proporcionó a Mendelssohn una gran aceptación entre el público cuando sólo tenía 20 años. También llevó a una de las pocas referencias que Mendelssohn hizo sobre sus orígenes: Pensar que se ha tenido a un actor y al hijo de un judío (Judensohn) para reanimar la mejor música cristiana para el mundo.
 Partitura

Image: Mendelssohn manuscript parts

martes, 20 de noviembre de 2012

¿VIVALDI O BACH?

Además de un período de la historia del arte, el Barroco fue un movimiento cultural que se extendió desde el 1600 hasta 1750 aproxima. 

Contexto y Arte:

El período Barroco se ubica entre los períodos Manierista y Rococó, aunque algunas definiciones llegan a incluir a ambos movimientos como parte del Barroco y, por ende, lo sitúan entre el arte del Renacimiento y el Neoclásico. Se enmarca en un tiempo en el cual la Iglesia Católica tuvo que reaccionar contra numerosos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y nuevas formas de religión, como la Reforma protestante.


Se ha dicho que el Barroco en arquitectura es un estilo que podría dar al papado un camino formal imponente de la expresión que podría restaurar su prestigio, al punto de hacerse de alguna manera simbólico de la Contrarreforma. Fue con éxito desarrollado en Roma, donde la arquitectura barroca renovó ampliamente las áreas centrales con la adición (o revisión) urbanística. Pero muchos otros ejemplos son encontrados en otras ciudades europeas y en las Américas españolas. Es importante destacar que el Barroco abarcó muchas artes, y no solamente la arquitectura; fue una innovación cultural general.damente.

Músicos barrocos: comparación entre 

Antonio Vivaldi y Johann Sebastian Bach:

Dos grandes personajes de la música comparten un sitio privilegiado y además de eso algunas coincidencias curiosas. Me refiero a Antonio Vivaldi y Johann Sebastian Bach, que comparten la fecha exacta de su muerte ocurrida un 28 de julio. Ambos coinciden también en haber nacido en marzo, evidentemente en años diferentes pero muy cercanos. Una coincidencia adicional es el tipo de música que compusieron, que si bien son distintas, para diferenciarlas es necesario un conocimiento de teoría e historia de la música, elemento sin el cual se pueden llegar a confundir con facilidad.

El primero en nacer fue Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678), siete años después nació J. S. Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685).La diferencia fundamental se encuentra en el contexto de producción originado por su nacionalidad. Vivaldi, italiano, recibe la influencia inspirada por la delicadeza, mientras que J.S. Bach, alemán, percibe la música bajo un concepto más rígido y casi matemático.

Vivaldi fue violinista, mientras que J.S. Bach se dedicó a los teclados. En este aspecto los instrumentos mismos marcan una diferencia de estructura de composición, sin embargo J.S. Bach involucró al violín en sus conciertos inevitablemente influenciado por Vivaldi, a quien se le atribuye el haber llevado ese instrumento más allá de los logros obtenidos por Corelli y Torelli (predecesores de Vivaldi).

En cuanto a su vida personal, ambos personajes se encuentran unidos por la religión. Vivaldi era sacerdote y además pelirrojo, de manera que le llamaban el “padre rojo”, J. S. Bach fue músico de capilla, lo que representó un compromiso para mantener un repertorio novedoso de misas, cantatas y otras formas musicales pertenecientes a la liturgia.

La aportación de Vivaldi es fundamental pues logró que la orquesta en pleno y el violín se integraran armónica y melódicamente, a diferencia de la estructura anterior en la cual la orquesta era un mero soporte armónico para el violín.

Todas estas innovaciones de Vivaldi fueron del conocimiento de Bach, que las aplicó e incluso perfeccionó.

Ambos músicos pertenecen al periodo histórico musical conocido como Barroco, lo cual dificulta identificar plenamente la obra de cada uno de estos dos personajes que nunca se encontraron frente a frente.

En un balance de popularidad, a 270 años de la muerte de Vivaldi y 261 de la de J.S. Bach, ambos salen muy bien librados. El arma secreta de Vivaldi, sin la cual hubiera quedado fuera de combate, se llama “Las Cuatro Estaciones”, que corresponde a su obra número 8, titulada “Il cimento de ll’armonia e dell’inventione” (Fundamento de la armonía y de la invención). La aportación de Vivaldi a partir de este concierto ha sido premiada con la trascendencia, pues es un elemento recurrente de sonorización en radio y televisión por su facilidad auditiva y su estructura agradable. J. S. Bach, concretamente con su tocata y Fuga en Re menor, aportó la banda sonora perfecta para cualquier serie de misterio con pretensiones retro.

Pero el juicio histórico ha colocado a Bach muy por encima de Vivaldi gracias a sus méritos propios. Con justicia y sin menospreciar a Vivaldi, el lugar preponderante de J. S. Bach es tal que para muchos éste es el mejor compositor de toda la historia.

Como siempre, el mejor homenaje para ambos músicos será el escucharlos. Bien vale la pena desempolvar ese disco de Las Cuatro Estaciones, corriendo el riesgo de sentirse neófito en la materia; o bien volver a deleitarse con alguno de los seis conciertos de Brandeburgo, de J.S. Bach, que son simplemente extraordinarios.